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BODIES THAT LOOK BACK WITH SERENITY


"Turning back, rewind, deconstruct, go backwards, invert, look from the other side.
Bodies are the fundamental part of this work where physicality and poetic images are joined together into the stage. There is a clean and elegant stage that introduces us to a hypnotic world, in a changing universe because of the lighting. This light limits and enlarges the dance floor. Six interpreters who transform the place with their energy, they make it alter and calm. Back comes
from a fragmented body, which hobbles and links until reaching the fluency of the wave of the dancers.

Back is a regression to the body, to the simplicity, the purity of the movement into the stage."
(Back, from The Company Dossier)

"Puddle" by M.C. Escher (1952)

On the occasion of its recent participation in the Dance Week 2011 in Sofia, Bulgaria, with its great spectacle Back, we’d like to talk about the Spanish Dance Company OtraDanza and about Asun Noales, the dancer and choreographer who created and lead it with passion from 2000.

This International Contemporary Dance Festival, so close to us not only geographically but also in terms of style and content, the first and the only one in Bulgaria nowadays, has taken place from 2008 with participation and an unprecedented success of public and professionals in our neighboring country. The primary objective of the festival, to line up with what's happening in the context of European contemporary dance and the enthusiasm and professionalism with which the organizers and sponsors are developing it deserves all our applause and consideration. In addition to creating an environment for a restless and curious youth is breaking with the old cultural patterns of the past. In this last edition (September 2011) besides the Spanish Company, has attended the Compagnie Alias from Switzerland with his work Saidways Rain, Niv Sheinfeld, Oren Laor & Keren Levi of Israel with Big Mouth, Blanca Li from France with Kif Elektro and the Bulgarian companies Derida Dance with Asa and Ballet Arabesque with Thus Spoke Zarathustra.

OtraDanza: The Company


In the words of the Company itself:

OtraDanza is a dance company whose objective is an artistic collaboration that adds value to the form, opening new windows and views of dance.

OtraDanza is a new space of proposals; a platform that unifies efforts for the common enjoyment of our passion: dance.

OtraDanza is a shared view – to show our enthusiasm about the body as a primary language in creation; our desire to transmit through the ethereal trace of the flesh those dances.  We want to diminish the line that separates the audience from the dancer, to show that each choreography is a shared journey.

OtraDanza has shown pieces such as Llebeig, Tierra, Frágil, El Gran Banquete, Sacra, Tan lejos, tan cerca, Mater y Ara.

Back: A look back through serenity and maturity.

The sight of a naked male body and the game of lights led by another dancer on stage, is the welcome offered while the audience reach their seats. The beauty of this body reflected in various mirrors, (including a huge one that occupies the entire floor), make the viewer to enter into a sea of ​​energetic movement and mesmerizes the audience for about an hour. "I've searched a moment for the body since long time ago. -Asun Noales says. Body as a primary tool in my work and body as a vital instrument to create the language to communicate with others."

Back is a song to the physicality of movement, articulated but fluid at the same time, where the organic and the formal beauty come together to enjoy contemporary dance with capital letters. "It's a return to a more abstract and pure dance. The joy of the composition and precise work, craft and laborious, like I understand choreography."

Six dancers are the superb cast that plays the choreographical game that invades the stage space with different structures that change, sometimes at breakneck speed, while unresting the eyes, or startling them, by the complexity of freight and caught, and the timing thereof. "I reflect myself on them, helping me through their personalities, and getting into their innate movement. I went to the simplicity, to search for the natural, avoiding the excessive and artificial. Getting to know better my performers, physically and psychologically allows me to drive them better and take the best from them. The motivation in each rehearsal it is important to work properly with a group. And to make the piece flow."

This whirlwind of movement is blurred by a few solos where one can enjoy the personal energy of each dancer and that serve as breathing not only for the piece but for the viewer's sight, like that breaking moment when the dancers show themselves like tired persons, and chat among them.

A special lighting designed by Juanjo Llorens who through the eyes of Asun Noales's choreography develops an impeccable job, subtil and unconventional, accompanies and promotes an environment where the images are multiplied and reflected, where space is narrow or wide, where the beat of the dance is dormant, and cradled by a music born to create a synergy that goes far beyond the sincere and honest look of the choreographer. "The reflection on the linoleum is constant. It's like dancing on a huge mirror. I did not want to use audiovisuals although the projection of light is quite innovative. It creates an almost futuristic atmosphere."

The show ends with the reflection of another body, this time a dressed female: a perfect end for a show that will get deserved applauses wherever they go, like those received on the night of its premiere at the Centro Parraga de Murcia.

The sound space is composed by the amazing Canadian cellist Zoë Keating, with whom Asun Noales has done other works such as "Llebeig", created for the Ballet Theatre of the Generalitat (BTGV) or "Lost & Found" video dance performed in CCC L'Escorxador d'Elx. Her music takes the viewer through delicate atmospheres, sometimes passionately rhythmic and always suggestive.

Unpredictable, chaotic, free, shocking. Back is a game between reality and fiction.




Direction and Choreography: Asun Noales.
Assistant:  Kike Guerrero.
Dancers: Fredo Belda, Carmela García, Kike Guerrero, Saray Huertas, Erick Jimenez, Conchín López.
Music: Zoé Keating.
Lighting: Juanjo Llorens.
Technical Direction: Carlos Julián Contreras.
Stage Scene: Luis Crespo.
Costumes: OD.
Photography: Germán Antón.
Hairdressing: Eleuterio.
Management: Raúl Coves.
Show Producers: CCCE L´ESCORXADOR, CENTRO PÁRRAGA, OD.
Supported by: TEATRES DE LA GENERALITAT VALENCIANA.
Contributors: Elike.

Premiere March 12th 2010  CENTRO PÁRRAGA, MURCIA.
Duration: 1 hour.
Distribution: www.camarablanca.com


We could ask some questions to Asun Noales, who answered them with honesty and generosity.

What does Asun Noales see when she looks back?

I see a lot of life, many years of intense activity, work, delivery, instinct and above all much happiness.

What does a choreographer committed to her work see when she looks back?

Learning, development, maturity, settlement, and that passion that use to flow intuitively. Now I reflect on it more and more, without losing the spontaneity, but with much more calm.

After a dense career in which you have not stopped working, how do you value the contemporary dance scene?

Particularly contemporary dance and dance in general, have always had to struggle constantly for a minimally decent treatment in the art scene. Step by step there is more and more talking about our work, very well-educated people are fighting for things to be valued and to place them in their proper place, but there is always more to do. The current crisis, cuts everywhere and culture, and dance as the poor relative within culture, suffers this situation directly. It's like when we grew a little we're pushed three little steps back. In our profession one can feel that people are tired. You have to work, to think and invent new ways of working. I think we're into the big time of social networks, the communication between people from different cities and different ways of thinking. It's time to create links and artistic collaboration. It's time to move and not stay at home depressed. From there we can get very interesting things. All critical times throughout history, have sharpened the wit of man and things have happened. We don't have to be afraid and we must try to find new ways of working.

What role do you give to physical theater, increasingly present in contemporary dance creations?

The physical theater sucks a lot from dance, in fact I know many actors who call themselves dancers but very few dancers who have the vanity of call themselves actors. I think both disciplines go hand in hand, dancing without theatrics, without an emotional intensity, without an atmosphere that surrounds it makes no sense to me. But I do not separated it from what to me involves dancing. We label everything too much, but in a hand program you can read dance, theater or music.

What prompted you to create OtraDanza?

The urgent need to continue my creative project after closing my previous company Patas Arriba. I could not stop, I had to go forward. I felt it was like starting from scratch, after six years of hard work, again I had to start a new path, a new way of working, more independent now, another adventure, another new travel and that was how came OtraDanza, without fear to restart and reset.

How does the company work?

We work by productions. Although these last two years, from our own productions and the comissioned ones from festivals such as the Medieval of Elche or from Theatres such the Chapí de Villena Theatre, the Company has felt a very fluid rythm of work, almost without interruption. But this, unfortunately, is not normal. Now we are about to start our new production and we will combine that with the tour of the shows Back and Ara.



Are you a stable company?

We try to maintain some stability in our work, but for now we cannot give the dancers annual contracts, though a minimum production structure has that continuity throughout the year.

Do you work always with the same team?

I try to do it. I love my dancers. The more I work with them, the easier the communication, understanding when to propose a variety of materials, patterns, scenes, qualities. It streamlines the work while it is increasingly clear and rich. There is a team of performers who are with me almost since the beginning of the Company and others who have been adding and subtracting. Both Ara and Back have six performers on the scene. Besides the dancers, I have been collaborating several years with Juanjo Llorens, my light designer, Luis Crespo my set designer and Kike Guerrero, my right hand working as an assistant, dancer, driver and what it takes, a big help.

How do you focus the training of the company?

The training is varied, we work the body through Yoga classes, Girokinesis, contemporary techniques, classical dance, body contact, etc... My dancers come from different styles and I like that daily training is somewhat varied, novel, fresh, to face then the long working day.

What new looks on Dance have you discovered since you create OtraDanza?

Working with the movement and with Dance always provides you new perspectives into the Human Being, his energy, his language less rational and more wild. Each process is a new discovery.

You say that you think each choreography as a journey, what is the starting point of this trip?

The desire to discover a new place, my trips are very different. I like to jump from one country to another. The way to prepare the itinerary, choose a place or another for my new journey, is very much determined by the events of my life, the emotions I am experiencing at this time. There are a lot of me and my environment in each of my shows. The search for music, for what I have my husband Germán Antón, a great musicologist, who advises me on this matter, creating portfolios that after a while I select or discard. The research for the qualities of movement that I imagine in each scene, always starting from something physical or dynamic. When all ingredients are in the studio, gradually this puzzle that is the choreography starts to born. I discard things that finally do not work in the creative process.

Do you know which is the end of the trip? Or do you let the paths that you've initiated surpraises you?

You know by intuition, but until you get into the kitchen you do not know if that destination will dramatically change its course. Surprise is one of the most interesting and magical in all creative process. Sometimes when you get stuck on one point, is when the work grows and becomes more interesting.

How do you add the audiece in your work?

In our last works I have not been on stage, and I am the most demanding member of the audience, if I do not like what I see, if something doesn't move me, although I've seen it twenty thousand times, it can hardly move somebody else. I have to feel that the show is closed. That everything is in place. Transitions, the moments with an Impro, everything should be clear enough. And the times I've been inside it happened the same, if there is a globality in the work, I feel it's finished to show the public.

What is the ideal audience for OtraDanza?

We have not named yet the ideal audience, everyone in the world worth to me. From the virgin viewer who has never seen dance, ready to discover it, excited, surprised or angry at what he sees. I would like that the viewer was always awake and develop his imagination with our shows. I also appreciate the experienced viewer, who can take from OtraDanza a new perspective on dance. Any viewer is good, the important is that they exist. These two last years we have traveled a lot, we realised that when a show works, it works for most viewers of any country in the world.

From all the works you've done with the company, which one stands out when you look back?

It is really difficult to answer this question. For me each of them are moments of my life, with the experience that has meant to create them, sharing a lot of time with the staff anecdotes, experiences on stage. I'm keeping all my travels, each one has for me, its outstanding moments.

Back is the beginning of a trilogy, where do you expect this new journey will take you to?

To myself, this trilogy is helping me to know a little more about myself. It's a journey into the inside from the inside. Back was the body, the movement, the detail, the energy of each performer, the sum of individual work that culminates in the group and makes it global. Ara is the moment, the time, the past, present and future, is the ephemeral of the instant, the absence of now. The third part will be the search for a meaning of life and art,  the the best and most direct way to know and respect us and I am lucky to be able to communicate myself through it.

In Back there is a very detailed treatment of space and light, how would you define it?

NEAT. I Back there is a conscientiously work on detail and all movement is framed in a geometric light, clean, angular, defined, linear. As if the space and body were connected at their joints and limbs. Juanjo Llorens and I enjoyed this process as children, that week of work at L'Escorxador de Elche was very inspiring, there we always have the good fortune to make our premiers with the calm that requires staging a new production. The stage, very simple, consisting of a floor mirror, a white cyclorama in the background and a mirror cut into pieces for the first and last scene. Escher's work was with me in the beginning of the process and the whole kaleidoscope of images that duplicate, overlap, transformed into a reflection of something else, became the application of mirrors within the stage space. The space reflects everything that happens in the scene. That reflection doubles, triples, amplifies the intention of the bodies, their shapes and choreographic games. The puting on the stage of Back was a discovery and a great experience for the entire artistic team. When we got to the stage and began to illuminate it, what we saw surprised ourselves.



How interpreters alter that space?

The space and lighting, as in many others of my shows, act as a zoom. Depending on the scene is as if we could bring the viewer into the details or we could suddenly offer him a grand scale dimension, creating a huge open space. The choreography is designed for those spaces. Sometimes I imagine the scene with its light, as if they get into small rooms, as if I cube them, so the performers are already working in that space knowing what they will find when they reach the stage.

How have you incorporated the excellent music composed for the piece by Zoe Keating to the work with the dancers?

Zoe Keating is fantastic, I hope she returns to Spain soon. His music gives me a lot of freedom while creating a dense, heavy, almost lunar atmosphere for the play. We were getting Zoe' themes before and throughout the process. I told her via email about the scenes aspects of the show and she sent me compositions. It's very easy to work with her. She's just generous and genial.

Have you worked with her in the rehearsals?

No, it was all done at a distance, I would have liked, but his schedule is very tight. She lives in California, so the distances don't help and we could not bring her because our budget. In the future we'll try again.

Have the dancers brought their own looks back at the show?

Many times my dancers don't know what goes through my head. At the beginning of the process I don't like to reveal them many things. In fact I start working some parts, disjointed, without order, in a very chaotic way. Through guidelines. And in Back, rewin very rarely exists. Under the choreographic work progresses, I will revealing my ideas, I don't want their body overact and in this way I get much more transparency in the work, it is not affected by any idea or any character, is much purer.

What elements of your own life experience have you expressed in the play?

In Back I wanted to capture the transition from one step to another, the building, the detail, we can say, to move on, the decomposition of movement to then bring it into its most complex and baroque composition. It is as if to get something you have to go through a slow and evolutionary process. Maybe in Back I transmitted the ant work of a creator, a choreographer in this case.

Where do the poetic images born in Back?

In Back there is also within the abstraction, a very aquatic part. And poetry is born from the most abstract and physical of the human body.

What does Escher's work mean to you?

Obsession, magic, volume, perspective, kaleidoscope and lots of talent.

You do not dance in Back, what makes your work different when you're not sharing the space with the dancers?

When I'm out I think I'm much more rigorous. Simply because being outside you see much more things that sometimes you miss being inside too. And above all, a big difference, I feel much more nervous.

How was your experience in Bulgaria and Greece?

It was great. The situation in both countries is not the best at the moment, but this has not influenced in the fact that both theaters were full of people. In Sofia, the audience stood up. And in the end of the performance the comments were very effusive, as they had never seen anything like that. It seemed a very organic movement and a very surprising puting on stage to them. In Greece they also liked it but the public was quieter, more European, more difficult to surprise.

And now you are going to Peru...  Does an audience with that different characteristics bring different things to the show?

The public has a great imagination, but in essence we are all people with the same feelings and the same essence. But it is true, for example last year we were in Honduras, Nicaragua and El Salvador and the crowd was really grateful, so warm.

How are they different to the Spanish audience?

The Spanish audience in general does not fill theaters that show contemporary dance, that's a big difference.

Looking from the other side ... Is it painful to look back?

No. The passage of time feeds you, teaches you, makes you live many moments, good and bad, but mostly, as Yves Saint Laurent used to say "The important thing is to last", look back and see what you've passed through, everything you've lived, it makes you fell nostalgic for people who stayed on the road but gives you satisfaction to continue there, dedicating to what you love.

Do you think it is sometimes necessary to look back to understand the moment we are and move on?

Of course. Looking back makes you understand this.

What has been left behind in your career?

I have no feeling of having lost a lot professionally, I never imagined that at my 22 years, when I went to Barcelona to study at the Institut del Teatre, believing that I was very old, was able to get a contract as a dancer, that I could dance with great choreographers and much less than later I would start my own company. I've always done what I've intended, I'm pretty stubborn. I am very satisfied with the fate that I have lived, because this career is full of luck and chance.

What is the current situation of contemporary dance in Spain?

The situation is quite depressing. Our manager, who is facing this reality, doesn't see it clear at all. We're at a critical time. When market requirements reduce the chance of a small privileged group. For 2012 we have entered into the Network of Theaters, which is very good news. But overall, I think many colleagues have spent two years of absolute unemployment, with very little chance to continue. I believe that creativity cannot be stopped because we have a crisis and that motivation is going to be increased and will find another way to survive.

Do you think that demand is still urgent?

I'm not very vindictive, I think things are vindicated by facts, one must move, we make the way as we go, just complaining about we're not going anywhere.

















Some of the most important companies and choreographers appear in the trajectory as interpreter of Asun Noales, also creator and teacher: Mudances (Àngels Margarit), BCB, Ballet de Teatres, Lc Bouy, Jochen Ulrich (Köln), Gustavo Ramírez Sansano, Rich Merril and Vicente Sáez. Licensed in Choreography and Classical Dance, Contemporary Dance and Spanish-Classical Dance. She has studied in Institut del Teatre (Barcelona) and Conservatory Oscar Esplá (Alicante). She has formed with teachers like Maria Muñoz y Pep Ramis, Guillermina Coll, Victor Ullate, Avelina Argüelles, Mathilde Monnier, etc. She started her professional trajectory in 1990 with Ballet Joven de Alicante. During six years she has co-directed the company Patas Arriba. Currently she leads the company OtraDanza which whom she has performed several shows such as Tierra (Best Dance Spectacle Price 2009). De Dos or her solo Frágil. In her trajectory appear other important prices such as those she earned in Choreographic International Showcase Burgos-New York, Masdanza Maspalomas, Price of the Scenic Arts of Valencia to the Best Choreographic Direction in 2005 for Sacra/Dícese and 2009 to Best Choreography for Llebeig. As a teacher and invited choreographer, Asun Noales has worked for Summer Dance International, Neurberg Museum in New York, Take Dance Company, Una Danza Joven of Costa Rica, Passarelles of Belgium, Suny Purchase, UMF and BTGV.

Lost &Found
Video Dance created by Asun Noales



VERSIÓN EN ESPAÑOL




"Volver atrás, rebobinar, deconstruir, invertir, retroceder. Mirar desde el otro lado. 
Los cuerpos son la parte fundamental en esta obra donde la fisicidad y las poéticas imágenes se unen para fluir en el espacio escénico.  Un espacio limpio y elegante que sumerge en un hipnótico mundo, en un universo que muda constantemente a través de la luz, acotando o ampliando el territorio lo bailable.  Seis intérpretes que transforman el lugar con su energía, lo alteran y lo serenan. Back parte de un cuerpo fragmentado que se traba y se engarza hasta alcanzar la fluidez de la onda en los bailarines. 
Back es una regresión al cuerpo, a la sencillez, a la pureza del movimiento en el espacio".
Del Dossier de la Compañía.

Con motivo de su reciente participación en la Semana de la Danza 2011 en Sofía, Bulgaria, con su magnífico espectáculo Back nos gustaría hablar de la compañía española OtraDanza y de Asun Noales, la bailarina y coreógrafa que la creó y la dirige con entrega desde 2000.

Este festival Internacional de Danza Contemporánea, tan cercano a nosotros no sólo geográficamente sino también en cuanto a estilos y contenidos, el primero y el único en Bulgaria en este momento, viene realizándose desde el año 2008 con una participación y éxito de público y profesionales sin precedentes en nuestro país vecino. El objetivo prioritario del Festival de alinearse con lo que está pasando en el contexto de la danza contemporánea europea y el entusiasmo y profesionalidad con el que organizadores y patrocinadores lo están desarrollando merece nuestro aplauso y consideración. Además de crear un entorno para jóvenes inquietos y curiosos está rompiendo con los viejos moldes culturales del pasado. En esta última edición, además de la compañía española, ha contado con la presencia de la Compañía Alias de Suiza con su obra Saidways Rain, Niv Sheinfeld, Oren Laor & Keren Levi de Israel con Big Mouth, Blanca Li de Francia con Elektro Kif y las compañías búlgaras Derida Dance con Asa y Ballet Arabesque con Thus Spoke Zarathustra.

OtraDanza: La Compañía

Según palabras de la propia Compañía:

Otradanza es una compañía de danza, proyecto que aspira a un trabajo interdisciplinar de artistas que sumen valor abriendo nuevas ventanas o miradas sobre la danza. 

Otradanza es un nuevo espacio de propuestas, plataforma que  aúna esfuerzos para el disfrute común de esta pasión que es para nosotros la danza. 

Otradanza es una mirilla compartida que pretende mostrar nuestro entusiasmo sobre el cuerpo como alfabeto primario en la creación,  nuestro afán por trasmitir a través del trazo etéreo y volátil de la carne que baila. Pretendemos hacer delgada la línea que separa al espectador del bailarín, que cada coreografía sea un viaje.

OtraDanza ha presentado trabajos como Llebeig, Tierra, Frágil, Es tan poco, El Gran Banquete, Sacra, Tan lejos, tan cerca, Mater y Ara.

Back: Una mirada hacia atrás a través de la madurez y la serenidad

La visión de un cuerpo masculino desnudo y el juego de luces propiciado por otro bailarín en escena, es la bienvenida que Back ofrece mientras se ocupan los asientos. La belleza de ese cuerpo reflejada en los diversos espejos, (entre ellos, uno enorme que ocupa todo el suelo), hacen al espectador introducirse en un mar de movimiento y de energía que hipnotiza al público durante una hora aproximadamente. “Hace tiempo que busco un momento para el cuerpo. –dice Asun Noales-. Cuerpo como herramienta primaria en mi trabajo y cuerpo como instrumento imprescindible para crear el lenguaje con el que comunicarme con los demás”.

Back es un canto a la fisicidad del movimiento articulado pero fluido, donde lo orgánico y la belleza de lo formal se dan la mano para poder disfrutar de la danza contemporánea con todas sus letras. “Es una vuelta a la danza más abstracta y pura. Al disfrute de la composición y al trabajo preciso, artesanal y laborioso de lo que yo entiendo por coreografía”.

Seis bailarines magníficos son el elenco que interpreta ese juego coreográfico que invade el espacio escénico con diferentes formaciones que cambian, a veces, a una velocidad vertiginosa, sin dejar descansar la mirada, y sobresaltándote en otras, por la complejidad de los portes y cogidas, y la sincronización de las mismas. “Me reflejo en ellos, ayudándome de sus personalidades, y metiéndome en su movimiento innato. He ido a lo sencillo, a la búsqueda de la naturalidad, evitando lo excesivo y artificioso. Conocer bien a mis intérpretes, física y psicológicamente te permite dirigirlos mejor y sacarles el máximo partido. La motivación en cada ensayo, es importante para el buen trabajo de un grupo. Y para que  la pieza fluya”.

Este torbellino de movimiento se ve difuminado por unos solos donde se puede disfrutar de la energía personal de cada bailarín y que sirven como respiración no sólo a la pieza sino a la mirada del espectador; al igual que ese momento rompedor donde los bailarines se muestran humanamente cansados, y parlotean entre ellos.

Un diseño de luces muy especial a cargo de Juanjo Llorens que a través de la mirada coreográfica de Asun Noales, desarrolla un trabajo impecable, sutil y nada convencional, acompaña y favorece un ambiente donde las imágenes se multiplican y se reflejan, donde el espacio se acota o se ensancha, donde el  palpitar de la danza está latente, y acunado por una música nacida para crear una sinergia que va mucho más allá de la mirada sincera y honesta de la coreógrafa Asun Noales y que dan como resultado Back. “El reflejo sobre el linóleo es constante. Es como si bailaran sobre un espejo inmenso. No he querido utilizar audiovisuales aunque la proyección de luz es bastante innovadora. Crea atmósferas casi futuristas”.

El espectáculo finaliza con el reflejo de otro cuerpo, esta vez femenino y vestido: un precioso broche de cierre para un espectáculo que derrochará aplausos allí donde vaya, tan merecidos como los recibidos en la noche de su estreno en el Centro Párraga de Murcia.

El espacio sonoro lo compone la sorprendente chelista canadiense Zöe Keating, con la que ya ha realizado otros trabajos, como “Llebeig”, pieza creada para el Ballet de Teatres De la Generalitat (BTGV) ó “Lost & Found” video danza realizado en CCC L´Escorxador d´Elx. Su música lleva al espectador por atmósferas delicadas, por momentos apasionadamente rítmicos  y siempre sugerentes.

Impredecible, caótico, libre, impactante. Back es un juego entre realidad y ficción.

Dirección y coreografía: Asun Noales.
Asistente: Kike Guerrero.
Intérpretes: Fredo Belda, Carmela García, Kike Guerrero, Saray Huertas, Erick Jimenez, Conchín López.
Música: Zoé Keating.
Iluminación: Juanjo Llorens.
Director técnico: Carlos Julián Contreras.
Escenografía: Luis Crespo.
Vestuario: OD.
Fotografía: Germán Antón.
Peluquería: Eleuterio.
Management: Raúl Coves

Espectáculo producido por: CCCE L´ESCORXADOR, CENTRO PÁRRAGA, OD.
Subvencionado: TEATRES DE LA GENERALITAT VALENCIANA.
Colabora: Elike.

Estreno 12 de Marzo de 2010  en el CENTRO PÁRRAGA, MURCIA.
Duración: 60 minutos.
Distribución: www.camarablanca.com

Hemos podido hacerle algunas preguntas a Asun Noales, que ha contestado con rigor y generosidad.

¿Qué ve Asun Noales cuando mira hacia atrás? 

Veo mucha vida, muchos años de ebullición, trabajo, entrega, instinto y sobre todo muchas alegrías. 

¿Qué ve una coreógrafa comprometida con su trabajo cuando mira hacia atrás? 

Aprendizaje, evolución, madurez, asentamiento, pasión y que lo que antes fluía intuitivamente, ahora lo medito cada vez más, sin perder la espontaneidad, pero con mucha más calma.

Después de una densa carrera en la que no has dejado de trabajar, ¿cómo ves ahora el panorama de la danza contemporánea? 

La danza contemporánea en particular y la danza en general, siempre han tenido que luchar incesantemente para tener un trato mínimamente decente dentro del panorama artístico. Poco a poco se va conversando más y más sobre nuestro trabajo, gente muy preparada está luchando para que las cosas se valoren y se sitúen en el lugar que les corresponde, pero siempre queda mucho por hacer. La crisis actual, recorta por todos lados y la cultura, y la danza como hermana pobre dentro de la cultura, padece esa situación directamente. Es como si cuando empezamos a crecer un poquito se nos vuelve a empujar tres pasitos para detrás. En la profesión se siente que la gente está cansada. Hay que trabajar, para pensar e inventar nuevas maneras de funcionar. Creo que estamos en el gran momento de las redes sociales, la comunicación fluida entre gentes de muy diferentes ciudades y diferentes maneras de pensar. Es el momento de crear vínculos y colaboraciones artísticas. Es el momento de moverse y no de quedarse deprimido en casa. De ahí pueden salir cosas muy  interesantes. Todas las épocas críticas a lo largo de la historia, han agudizado el ingenio del hombre y han sucedido cosas. No hay que tener miedo y hay que intentar encontrar nuevas maneras de funcionar. 

¿Qué papel otorgas al teatro físico cada vez más presente en las creaciones dancísticas contemporáneas?

El teatro físico chupa mucho de la danza, de echo conozco a muchos actores que se hacen llamar bailarines pero a muy pocos bailarines que tengan la vanidad de llamarse actores. Creo que ambas disciplinas van de la mano, la danza sin teatralidad, sin una intensidad emocional, sin una atmósfera que la envuelva para mí no tiene sentido. No sé si te refieres a ese tipo de teatro físico. Pero no lo separo de lo que para mí ya implica la danza. Se etiqueta demasiado todo, sin embargo en un programa de mano pone danza, teatro o música.

¿Qué te impulsó a crear Otradanza? 

La necesidad urgente de continuar con mi proyecto creativo después de cerrar mi anterior Compañía Patas Arriba. No podía parar, tenía que seguir hacia delante. Sentí que era como volver a empezar de cero, después de seis años de intenso trabajo, otra vez había que iniciar un nuevo camino, otra nueva manera de trabajar, ahora más independiente, otra aventura, otros nuevos viajes y así llego OtraDanza, sin miedo a reiniciarme y resetearme. 

¿Cómo funciona la compañía? 

Funcionamos por producciones. Aunque estos últimos dos años, entre nuestras producciones propias y los encargos recibidos por parte de Festivales como el Medieva de Elche y Teatros como el Teatro Chapí de Villena, la Compañía ha sentido un ritmo de trabajo muy fluido, casi sin interrupciones. Pero esto, desgraciadamente, no es lo normal. Ahora estamos a punto de iniciar nuestra nueva producción y lo compaginaremos con la gira de los espectáculos Back y Ara. 

¿Sois una compañía estable? 

Intentamos mantener una cierta estabilidad en el trabajo, pero de momento no podemos dar contratos anuales a los bailarines, aunque la estructura mínima de producción si tiene esa continuidad a lo largo del año.

¿Trabajas siempre con el mismo equipo? 

Intento hacerlo. Me encantan mis bailarines. Cuanto más trabajo con ellos, más fácil es la comunicación, el entendimiento a la hora de proponer diversos materiales, pautas, escenas, cualidades. Se agiliza el trabajo y a la vez éste es cada vez más claro y rico. Hay un equipo de intérpretes que llevan conmigo prácticamente desde el inicio de la Compañía y otros que se han ido sumando y restando. Tanto en Ara como en Back hay seis intérpretes en escena. A parte de los bailarines, llevo varios años colaborando con Juanjo Llorens, mi iluminador, Luis Crespo mi escenógrafo y Kike Guerrero, mi mano derecha que trabaja como asistente, bailarín, chófer y lo que haga falta, una gran ayuda. 

¿Cómo enfocas el entrenamiento de la compañía? 

El training es variado, trabajamos el cuerpo a través de clases de Yoga, Girokinesis, Técnica contemporánea, Danza Clásica, body contact, etc... Mis bailarines vienen de diferentes estilos y me gusta que el training diario sea algo variado, novedoso, fresco, para después afrontar la larga jornada de trabajo. 

¿Qué miradas nuevas sobre la danza habéis descubierto desde que crearas Otradanza?  

Trabajar con el movimiento, y la danza siempre te aporta nuevas perspectivas sobre el ser humano, su energía, su lenguaje menos racional y más salvaje. Cada proceso es un nuevo descubrimiento.  

Decís que os planteáis cada coreografía como un viaje, ¿cuál es el punto de partida de este viaje? 

El deseo de descubrir un lugar nuevo, mis viajes son muy diferentes, me gusta saltar de un País a otro. La manera de preparar el itinerario, elegir un lugar u otro para mi nuevo viaje, viene muy determinado por los acontecimientos de mi vida, por las emociones que en ese momento estoy experimentando. Hay mucho de mí y de mi entorno en cada uno de mis espectáculos. La búsqueda de la música, donde tengo a mi marido Germán Antón un gran musicólogo, que me asesora en esta materia, creando carpetas de trabajo que luego voy seleccionando o descartando. La búsqueda de las cualidades y calidades de movimiento que imagino para cada escena, partiendo siempre de algo físico y dinámico. Cuando todos los ingredientes están en el estudio, poco a poco se va componiendo ese puzle que es la coreografía. Descarto cosas que finalmente no funcionan en ese proceso creativo. 

¿Sabéis cuál es su destino? ¿O dejáis que los caminos iniciados os sorprendan?

Lo intuyes, pero hasta que no te pones en la cocina no sabes si ese destino cambiará drásticamente de rumbo. La sorpresa es una de los momentos más interesantes y mágicos en todo proceso creativo. A veces cuando te atascas en un punto, es cuando el trabajo crece y se hace más interesante.

¿Cómo incorporáis al espectador en vuestro trabajo? 

En los últimos trabajos yo no he estado sobre el escenario, y soy la espectadora más exigente, si a mí no me gusta lo que veo, si no me mueve algo, aunque lo haya visto veinte mil veces, dudosamente se lo va a mover a nadie. Tengo que sentir que el espectáculo está cerrado. Que todo está en su sitio. Las transiciones, los momentos donde se improvisa, que todo esté claro. Y las veces que he estado dentro, me ocurre igual, si hay una globalidad en el trabajo, siento que está terminado para mostrarlo al público. 

¿Cómo es el espectador ideal de Otradanza? 

Todavía no hemos nombrado al espectador ideal, toda la gente del mundo me vale. Desde el espectador virgen que nunca ha visto danza, dispuesto a descubrir, emocionarse, sorprenderse o enfadarse con lo que está viendo. Me gustaría que el espectador siempre fuera despierto y desarrollara su imaginación con nuestros espectáculos. También me vale el espectador experimentado, que puede sacar de OtraDanza una nueva mirada sobre la danza. Cualquier espectador es bueno, lo importante es que exista. Estos dos años que hemos viajado bastante, hemos comprobado que cuando un espectáculo funciona, funciona para la mayoría de los espectadores de cualquier país del mundo.

De todos los trabajos que has realizado con la compañía, ¿cuál es el que destaca cuando miras atrás? 

Es muy difícil contestar a esta pregunta. Para mí cada uno de ellos son momentos de mi vida, con la experiencia que ha supuesto el crearlos, compartir con un equipo de trabajo mucho tiempo, anécdotas, experiencias sobre el escenario. Me quedo con todos mis viajes, cada uno tiene para mí, sus destacados instantes. 

Back es el inicio de una trilogía, ¿A dónde esperas que te lleve este nuevo viaje? 

Hacia mí misma, esta trilogía me está ayudando a conocerme un poco más. Es un viaje hacia el interior desde el interior. Back fue el cuerpo, el movimiento, el detalle, la energía de cada intérprete, la suma del trabajo individual para poder aunarlo en el grupo y convertirlo en algo global. Ara es el momento, el tiempo, el pasado, el presente y el futuro, es lo efímero del instante, la no existencia del ahora. La tercera parte será la búsqueda de un sentido a la existencia y el arte es el mejor camino y más directo para conocernos y respetarnos y tengo la suerte de poder comunicarme a través de él. 

En Back hay un tratamiento muy concienzudo del espacio y la iluminación, ¿cómo lo definirías? 

PULCRO. En Back hay un trabajo a conciencia sobre el detalle y todo el movimiento está enmarcado en una iluminación geométrica, limpia, angulosa, definida, lineal. Como si el espacio y el cuerpo estuvieran conectados por sus articulaciones y extremidades. Juanjo Llorens y yo disfrutamos de este proceso como niños, fue muy inspiradora esa semana de trabajo en L´Escorxador de Elche donde siempre tenemos la suerte de poder preparar nuestros estrenos con la calma que requiere la puesta en escena de una nueva producción. El espacio escénico, muy sencillo, compuesto por un suelo de espejo, un ciclorama blanco al fondo y un espejo troceado para la primera y última escena. La obra de Escher me acompañó en el inicio del proceso y todo ese calidoscopio de imágenes duplicadas, superpuestas, transformadas en el reflejo en otra cosa, se convirtió en la aplicación de los espejos dentro del espacio escénico. El espacio refleja todo lo que sucede en la escena. Ese reflejo duplica, triplica, amplifica la intención de los cuerpos, sus formas y los juegos coreográficos. La puesta en escena de back fue un descubrimiento y toda una experiencia para todo el equipo artístico. Cuando llegamos al escenario y empezamos a iluminar lo que vimos nos sorprendió a nosotros mismos. 

¿Cómo alteran ese espacio los intérpretes? 

El espacio y la iluminación, como en muchos otros de mis espectáculos, actúan como un zoom. Dependiendo de la escena es como si pudiéramos acercar al espectador al detalle o de repente le pudiéramos ofrecer una dimensión grandiosa, generando un espacio diáfano enorme. La coreografía está pensada pare esos espacios. Muchas veces imagino las escenas con su luz, como si las metiera en pequeñas habitaciones, como si las cubicara, de manera que los intérpretes ya trabajan sabiendo en que espacio se van a encontrar cuando lleguen al escenario.

¿Cómo has incorporado la excelente música de Zoe Keating compuesta para la obra al trabajo con los bailarines? 

Zoe Keating es fantástica, espero que vuelva por España pronto. Su música me da mucha libertad y a la vez crea una atmósfera densa, pesada, casi lunar a la obra. Fuimos recibiendo temas de Zoe antes y a lo largo del proceso. Yo le contaba vía mail aspectos sobre las escenas del espectáculo y ella me mandaba composiciones. Es muy fácil trabajar con ella. Simplemente es generosa y genial. 

¿Ha trabajado con vosotros en los ensayos? 

No, ha sido todo a distancia, ya me hubiera gustado, pero su agenda es muy apretada, Vive en California, así que las distancias no acompañan y nuestro presupuesto tampoco podía traerla. En un futuro lo volveremos a intentar.

¿Han aportado los bailarines sus propias miradas hacia atrás al espectáculo? 

Muchas veces mis bailarines no saben lo que pasa por mi cabeza. Al principio del proceso no me gusta desvelarles muchas cosas. De hecho empiezo trabajando partes, inconexas, sin orden, de una manera muy caótica. A través de pautas. Y en Back, el rewin existe en muy contadas ocasiones. Conforme va avanzando el trabajo coreográfico, les voy desvelando mis ideas, no quiero que su cuerpo esté sobreactuado y de esta manera consigo mucha más transparencia en el trabajo, no está afectado por ninguna idea ni ningún carácter, es mucho más puro.

¿Qué elementos de vuestra propia experiencia vital habéis plasmado en la obra? 

En Back quería plasmar la transición de un paso a otro, la construcción, como si dijéramos el detalle para poder movernos, la descomposición del movimiento para después llevarlo a su composición más compleja y barroca. Es como si para llegar a conseguir algo tienes que pasar por todo un proceso lento y evolutivo. Quizá en Back se transmite el trabajo de hormiguita de un creador en este caso de un coreógrafo. 

¿De dónde nacen las imágenes poéticas de Back? 

En Back hay también, dentro de la abstracción, una parte muy acuática. Y la poesía nace de lo más abstracto y físico del cuerpo humano. 

¿Qué significado tiene la obra de Escher para ti? 

Obsesión, magia, volumen, perspectiva, caleidoscopio y mucho talento.

Tú no bailas en Back, ¿en qué se diferencia tu trabajo cuando no estás compartiendo el espacio de los bailarines? 

Cuando estoy fuera creo que soy mucho más rigurosa. Simplemente porque al estar fuera ves muchas más cosas que a veces te pierdes al estar dentro también. Y sobre todo, una gran diferencia, es que paso muchos más nervios.

¿Cómo ha sido vuestra experiencia en Bulgaria y Grecia? 

Ha sido genial. La situación en ambos Países no es la mejor en estos momentos, pero esto no ha influido en que en ambos lugares los teatros estuvieran a tope de público. En Sofía el público se puso en pie. Y a la salida los comentarios eran muy efusivos, como que nunca habían visto algo así. Que les parecía un movimiento muy orgánico y una puesta en escena sorprendente. En Grecia también gustó mucho pero el público era más tranquilo, más europeo, más difícil de sorprender. 

Y ahora os vais a Perú… ¿aportan públicos de tan distintas características cosas distintas al espectáculo? 

El público tiene mucha imaginación, pero en esencia todos somos personas, con los mismos sentimientos y la misma esencia. Pero si es cierto, por ejemplo el año pasado estuvimos en Honduras, Nicaragua y El Salvador y el público era super agradecido, muy cálido. 

¿En que son diferentes al público español? 

El público español, en general, no llena los teatros donde se representan espectáculos de danza Contemporánea, esa es una gran diferencia.

Mirar desde el otro lado… ¿es doloroso mirar hacia atrás? 

No. El paso del tiempo te nutre, te enseña, te hace vivir muchos momentos, buenos y malos, pero sobre todo, como decía Yves Saint Lawrent “Lo importante es durar”, mirar hacia atrás y ver por todo lo que has pasado, todo lo que has vivido, da nostalgia por gente que se quedó en el camino pero da satisfacción el poder seguir ahí, dedicándote a lo que más te gusta.

¿Crees que es necesario a veces mirar hacia atrás para comprender el momento en el que estamos y seguir adelante? 

Por supuesto. Mirar hacia atrás te hace comprender el presente. 

¿Qué se ha quedado por el camino en tu trayectoria profesional? 

No tengo la sensación de haberme perdido mucho profesionalmente, nunca imaginé que a mis 22 años, cuando me marché a Barcelona para estudiar en el Institut del Teatre, creyendo que ya era muy mayor, iba a poder conseguir un contrato como bailarina, que iba a poder bailar con grandes coreógrafos y mucho menos que más tarde iba a  montar mi propia Compañía. Siempre he hecho lo que me he propuesto, soy bastante cabezota. Estoy muy satisfecha con los destinos que me ha tocado vivir, porque esta carrera está llena de suerte y casualidad. 

¿Cómo es la situación actual de la danza contemporánea en España? 

La situación es bastante deprimente. Nuestro distribuidor, que es el que se enfrenta a esa realidad, no lo ve nada despejado. Estamos en un momento crítico. Donde las exigencias de mercado reducen las posibilidades a un pequeño grupo de privilegiados. Para el 2012 hemos entrado en el catálogo de la Red de Teatros, que ya es una muy buena noticia. Pero a nivel general, creo que muchos compañeros ya llevan dos años de paro absoluto, con muy pocas posibilidades de poder continuar. Creo que la creatividad no se puede parar porque tengamos una crisis y esa motivación va a salir acrecentada y va a encontrar otra manera de sobrevivir. 

¿Crees que sigue siendo urgente la reivindicación? 

Yo no soy muy reivindicativa, creo que las cosas se reivindican por hechos, hay que moverse, el camino se hace andando, solo quejándonos no vamos a ninguna parte.

Asun Noales

Algunas de las más importantes compañías y coreógrafos figuran en la trayectoria interpretativa de Asun Noales, también creadora y profesora: Mudances/Àngels Margarit, BCB, Ballet de Teatres, Lc Bouy, Jochen Ulrich/Köln, Gustavo Ramírez Sansano, Rich Merril o Vicente Sáez. Licenciada en Coreografía y titulada en danza clásica, danza contemporánea y clásico español, ha estudiado en el Institut del Teatre de Barcelona y el Conservatorio Oscar Esplá de Alicante. Se ha formado con maestros como María Muñoz y Pep Ramis, Guillermina Coll, Victor Ullate, Avelina Argüelles, Mathilde Monnier, etc. Comenzó su trayectoria profesional en 1990 junto al Ballet Joven de Alicante. Durante seis años ha codirigido la Compañía Patas Arriba. En la actualidad lidera la compañía OtraDanza con la que ha estrenado varios montajes como Tierra, Premio al Mejor espectáculo de danza 2009, De.dos o su solo Frágil. En su trayectoria figuran otros importantes premios como los obtenidos en el Certamen coreográfico Internacional Burgos-Nueva York, el 8Masdanza de Maspalomas, Premio de las Artes Escénicas de la Generalitat Valenciana a la Mejor dirección coreográfica y al Mejor espectáculo de danza, recibido en 2005 por Dícese/Sacra y en 2009 a Mejor dirección coreográfica por Llebeig. Como docente y coreógrafa invitada, Asun Noales ha trabajado para Summer Dance International, el Museo Neurberg de Nueva York, Take Dance Company, Una Danza Joven de Costa Rica, Passerelles en Bélgica, Suny Purchase, UMH y Ballet de Teatres de la Generalitat Valenciana.




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7 comentarios:

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