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No se vale llorar (Nem ér sírni!)
by Cristian Cortez

Translation: Flores Hedvig Montserrat
Dramaturgic and Direction: Korcsmáros András & Müller Ádám
Performers: Flores Hedvig Montserrat, Hegedűs Jenő, Pásztor Máté y Pintér Szilvia
A Teatro Surreal Production 2011
Supported by Zöld Macska, la Asociación Ecuador, Sín Kulturális Központ y SzíDoSz.
Opennig October 6th & 7th 2011
In Zöld Macska Diákpince, Budapest

Poster of the play
As soon as the lights go out and starts No se vale llorar (Nem ér sírni!), the dramatic space pour out vigorously onto the physical one, a small venue in the centre of Budapest, small in size, stripped of any accessory item. An intimate place that, we'll soon discover it, is the ideal place for the text written by Cristian Cortez.

A text full of subtle traps, which have been woven with wisdom by the author and proposes an oppressive atmosphere, as if it were a nightmare in which the characters, even though they dialogue between them, it seems actually that they are talking to themselves all the time. Several monologues which interrupt each other constantly. Desperate monologues, bitter and sharp, full of phrases that exude a dark irony, the kind that makes us think before smile. The characters, lost in the inconsistency of their own lives, talk to each other, although the intent is not to communicate, because the more they speak the more isolated are from each other. What they say could also be what they are thinking. They think, perhaps, in loud voice and share with fierceness what they think, like anyone else would hardly do in normal circumstances. Sometimes, some of them, seems to talk with invisible speakers. They address to their ghosts who, of course, not bother to reply them. The text, a tasty Ecuadorian Spanish in the original, is heard on stage in a polished and faithful Hungarian, highly effective for the actors.

We know that we are watching the first of two versions of the play. The company has entrusted two directors from very different worlds, to put on stage the same text to be shown during a single evening. One after the other, with a short intermission. This is one of the greatest skills of the proposal. One way of bringing the audience into a thorny issue with which professionals are constantly dealing with: from the text to the show there is a long journey, a theatrical text is the starting point, the inspiration of what we see on stage, and the team's work can present it in many different ways. This is why, without doubt, is fascinating to stage any text from dramatic literature. The audience now has the chance, that certainly does not happen very often, to compare two different ways or views. To compare them and perhaps to compare them with their own. The unavoidable temporal order which is subjected to this experience causes, however, a reflection. If we compare two paintings that share the same physical space, which are next to each other, the comparison seems to us more equal. We can go from one to another and have them both at the same time. Instead, in theater we can only see them one after another, retain both in our memory and perhaps compare them after leaving the venue, knowing that the last version we've seen will exert a kind of tyranny in our impressions. As there are two very different directors, viewers are obviously also very different from each other. And each of them will feel inevitably more identified with one of the two versions. But besides these considerations, the proposal is fascinating and refreshing.

The four actors, a rigorous and disciplined team, show their work without dissonance, perfectly adapted between them. With sobriety and solvency they face the challenge of playing different roles in the two versions. And this is another big hit of the show. In a quite Brechtian way, the actor or actress is playing a role and at the end, they play another one in the same play, exchanging roles with each other. This certainly gives the performers a deeper understanding of the play, which flows more accurately on stage and makes us think that we, as viewers, maybe should merge the two versions and so the proposal goes beyond the two viewing of a text. Each of the two productions is the echo of the other and of itself. And this, who knows, is the almost impossible ambition of any stage director: to give a multifaceted approach to the text which has in his hands. Just like Bach did when he immersed in his almost infinite variations.

Korcsmáros András version, the first we see, is austere and clean. He has done an excellent job with the actors, guiding them through the text with no disgress. The characters, in his hands, are what they say. Their gestures become phrases that have not been written by the author, but that complete the original intent and make the word, fit with the behavior and the action. The density of the atmosphere he created is given by a strategy that supports the playwright work and always helps the viewer to think about what is happening.

Korcsmáros András

Müller Ádám

The second version, by Müller Ádám, is a rewarding surprise. When we are on our seats again, after the break, and still resonates in us the atmosphere created by the previous director, a loud music tells us that a different rhythm, more agile and lively, will lead this new version. Using multiple sound resources, such as a microphone that amplifies the phrases of the characters, and spectacular lighting, like a clever use of projections and shadows. The text is deconstructed to make way for new sensations that invade the viewer, now more ready and open to discover new possibilities in the play. Thus, at the end, we are more excited. The skills of this staging, some more than others, allow us to take risks, to look for more radical solutions to the situations that arise from the play.

Both versions may have something in common, as both underlined the pessimistic sense, each, of course, with its own strategy. So actually, far from being contradictory, they are complementary. None of them saw or heard the other's work during the creation process and for this reason pay our attention the similarities in their views more than the differences which probably are not that drastic. We welcome the initiative of this company whith the will of bringing Latin American theater to the Hungarian scene and discover how Hungarian directors deal with it. How one culture faces to the other and see that the result is always interesting.

About the Author

The playwright and screenwriter Cristian Cortez (Guayaquil, Ecuador) is the creator of several plays that have been staged in many countries like Souflé de rosas, Maduritas, macrobióticas y multiorgásmicas, y Deportada del paraíso. Bachelor of Journalism and Master in Higher Education. Professor of Mass Communication course at the School of Communication at the University of Guayaquil Espíritu Santo UEES. He has taught seminars in screen writing and dramaturgy at various institutions. He is a professor in the Faculty of Philosophy and Arts & Humanities, at Catholic University of Guayaquil. National Prize for Literature, Drama and Contemporary creation, in two occasions, 2000 and 2010 and TV Writer since 1994. As an author he has been included in several anthologies of contemporary Ecuadorian theatre and his works have been premiered by ensembles of Ecuador, Argentina, Colombia, Panama, Peru, Mexico, Dominican Republic and in off Broadway in New York. In April 2004, he received the Dr. Vicente Rocafuerte prize, the highest award that the National Congress of Ecuador gives in art and humanities. In June 2006, the University Laica Vicente Rocafuerte granted him recognition: "Example of journalism today," given to the most outstanding professionals. As a screenwriter, he wrote the short film Última función, Orbeluna productions, Guayaquil and the film La huerta perdida, Brugas Productions, Lima.

Cristian Cortez



No se vale llorar (Nem ér sírni!)
De Cristian Cortez
Traducción de Flores Hedvig Montserrat

Dramaturgia y dirección: Korcsmáros András & Müller Ádám
Intérpretes: Flores Hedvig Montserrat, Hegedűs Jenő, Pásztor Máté y Pintér Szilvia
Una producción de Teatro Surreal
Con el apoyo de Zöld Macska, la Asociación Ecuador, Sín Kulturális Központ y SzíDoSz.
Estrenada el 6 y 7 de octubre de 2011
En Zöld Macska Diákpince, Budapest

Apenas se apagan las luces de sala y empieza No se vale llorar, el espacio dramático se impone con fuerza e intensidad al espacio físico, una pequeña sala en el centro de Budapest, de reducidas dimensiones, despojada de cualquier elemento accesorio. Un lugar íntimo que, pronto lo descubriremos, es el lugar ideal para el texto de Cristian Cortez.

Un texto lleno de trampas sutiles, que ha ido tejiendo con sabiduría el autor y que nos propone una atmósfera asfixiante, como si se tratase de una pesadilla en la que los personajes, a pesar de que dialogan entre ellos, parece en realidad que están monologando siempre. Varios monólogos que se interrumpen unos a otros constantemente. Monólogos desesperados, agrios y cortantes, cargados de frases que destilan una ironía oscura, de esas que nos hace pensar antes que sonreír. Los personajes, perdidos en la inconsistencia de sus propias vidas, se hablan unos a otros, aunque la intención no sea comunicarse, ya que cuanto más hablan más aislados están unos de otros. Lo que dicen podría ser también lo que están pensando. Piensan, quizá, en voz alta y comparten con ferocidad aquello que piensan como no lo haría casi nadie en circunstancias normales. A veces, algunos de ellos, dan la sensación de tener interlocutores invisibles. Se dirigen a sus fantasmas que, desde luego, no se toman la molestia de dialogar con ellos. El texto, de un sabroso español ecuatoriano original, se escucha en escena en un húngaro pulido y fiel, de gran eficacia para los actores.

Sabemos que estamos viendo la primera de las dos versiones de la obra. La compañía ha encargado a dos directores, de mundos muy distintos, que pusieran en escena el mismo texto para presentarlo durante una jornada única. Uno detrás de otro, con un breve intermedio. Este es uno de los grandes aciertos de la propuesta. Una forma de hacer llegar al público una cuestión espinosa con la que los profesionales estamos tratando constantemente: del texto al espectáculo hay un largo recorrido, un texto teatral es el origen, la inspiración de lo que vemos en escena, y el trabajo del equipo puede presentarlo de muy diversas maneras. Esto es, sin duda, lo fascinante de llevar a escena cualquier texto de literatura dramática. El público ahora tiene la ocasión, que ciertamente no se da muy a menudo, de comparar dos visones. De compararlas entre sí y acaso de compararlas con la suya propia. El orden temporal inevitable al que se somete esta experiencia provoca, sin embargo, una reflexión. Si comparamos dos cuadros que comparten el mismo espacio físico, que están uno al lado de otro, la comparación se nos antoja más ecuánime. Podemos ir del uno al otro y tenerlos a ambos ante nosotros al mismo tiempo. En cambio, con el teatro solo podemos verlos uno después de otro, retener ambos en nuestra memoria y tal vez compararlos al salir del teatro sabiendo que el último que hayamos visto ejercerá una especie de tiranía en nuestras impresiones. Así como hay dos directores muy distintos, también los espectadores son, obviamente, muy distintos entre sí. Y cada uno de ellos se identificará más, inevitablemente, con una de las dos versiones. Pero, al margen de estas reflexiones, la propuesta es fascinante y renovadora.

Los cuatro actores, un equipo riguroso y disciplinado, muestran su trabajo sin disonancias, adaptándose perfectamente unos a otros. Con sobriedad y solvencia se enfrentan al reto de interpretar papeles distintos en las dos versiones. Y este es el otro gran acierto del espectáculo. De una manera muy brechtiana un actor o actriz interpreta un papel y, al terminar, interpreta otro papel en la misma obra, intercambiándose los roles unos con otros. Esto sin duda, da a los intérpretes un conocimiento más profundo de la obra, que fluye de una forma más precisa en el escenario y nos hace pensar que nosotros como espectadores tal vez deberíamos fundir ambas versiones y que la propuesta va más allá del doble visionado de un texto. Cada uno de los dos montajes de la obra es el eco del otro y de sí mismo. Y ésta es, quien sabe, la ambición imposible de cualquier director de teatro: dar un enfoque poliédrico al texto que tiene entre manos. Exactamente como hace Bach cuando se sumerge en sus casi infinitas variaciones.

La versión de Korcsmáros András, la primera que vemos, es austera y limpia. Ha hecho un trabajo excelente con los actores, guiándolos a través del texto sin apenas concesiones. Los personajes, en sus manos, son lo que dicen. Sus gestos se convierten en aquellas frases que no han sido escritas por el autor, pero que completan la intención original y hacen que la palabra, el comportamiento y la acción encajen. La densidad de la atmósfera que ha creado viene dada por esa estrategia que apoya siempre al autor teatral y ayuda al espectador a pensar sobre lo qué está pasando.

La segunda versión, a cargo de Müller Ádám, es una sorpresa gratificante. Al ocupar de nuevo nuestros asientos, después del descanso, cuando todavía resuena en nosotros el ambiente creado por el director anterior, una música estridente nos anuncia que otro ritmo, más ágil y vitalista, va a regir esta nueva versión. Se utilizan varios recursos sonoros, como un micrófono que amplifica las frases de los personajes, lumínicos y escenográficos, como un inteligente uso de proyecciones y sombras chinas. El texto se desestructura para dar paso a nuevas sensaciones que se apoderan del espectador, ahora más preparado para descubrir nuevas posibilidades en la obra. De esta forma, al terminar, estamos más agitados. Los hallazgos de esta puesta en escena, unos más que otros, nos permiten arriesgarnos, buscar soluciones más radicales a las situaciones que plantea la obra.

Ambas versiones tal vez tengan algo en común, ya que han subrayado el sentido pesimista del texto, cada una, claro está, con su propia estrategia. Por eso, en realidad, lejos de contradecirse, se complementan. Ninguno de los dos directores vio o supo del trabajo del otro durante el proceso de creación y precisamente por esta razón nos llaman más la atención las semejanzas entre las dos visiones que las diferencias que pudiera haber que, posiblemente, no sean tan drásticas. Nos alegramos de la iniciativa de esta compañía con voluntad de traer al panorama de la escena húngara el teatro latinoamericano y poder descubrir cómo lo tratan dos directores húngaros. Como se encara una cultura con otra y ver que el resultado es siempre interesante.

Sobre el autor

El guionista y dramaturgo Cristian Cortez (Guayaquil, Ecuador) ha sido el creador de diversas obras de teatro que ya han sido puestas en escena como Souflé de rosas, Maduritas, macrobióticas y multiorgásmicas, y Deportada del paraíso. Licenciado en Periodismo, Master en Educación Superior. Catedrático de la asignatura Comunicación de Masas en la Facultad de Comunicación de la Universidad Espíritu Santo UEES de Guayaquil. Ha impartido seminarios de Guión y dramaturgia en diversas instituciones, catedrático en las Facultades de Filosofía y Artes & Humanidades de Universidad Católica Santiago de Guayaquil. Premio Nacional de Literatura, Dramaturgia y Creación contemporánea, en dos ocasiones, 2000 y 2010 y Guionista de televisión desde 1994. Como autor ha sido incluido en varias Antologías de teatro ecuatoriano contemporáneo y sus obras han sido estrenadas por elencos de Ecuador, Argentina, Colombia, Panamá, Perú, México, República Dominicana y off Broadway en Nueva York. En abril de 2004, recibió el premio Dr. Vicente Rocafuerte, el más alto galardón que el Congreso Nacional ecuatoriano otorga a nivel artístico y humanidades. En junio de 2006, la Universidad Laica Vicente Rocafuerte le otorgó el reconocimiento: “Ejemplo del periodismo de hoy” que se da a los profesionales más destacados. Como guionista cinematográfico, escribió el cortometraje Última Función, Orbeluna producciones, Guayaquil y el largometraje La Huerta perdida, Brugas Producciones, Lima.

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